En los monasterios del primer milenio cristiano...... La única música que había quedado del periodo romano eran los cantos gregorianos memorizados. La conservación de los cantos a través de una tradición básicamente oral, durante tanto tiempo a pesar de todos los inconvenientes que esto conlleva, fue un milagro. Entonces, alrededor del año 1000, se dio un gran salto de la memoria al papel. Se empezó a escribir música.
Un hilito de notas pasó a ser un río, y luego un torrente. Tanta música, tan diversa, produjo tal explosión que resulta imposible creer que toda ella proceda del progreso experimentado por unos cuantos monjes unos siglos atrás. El hecho de que nuestra música se pueda escribir fácilmente es fundamental en lo que a su éxito y distribución se refiere. Ninguna otra cultura musical del mundo ha desarrollado jamás un sistema de nota similar.
Este es el comienzo de una historia única. Cuando la cultura europea intentó reinventarse a sí misma, echó la vista atrás para observar a la antigua cultura griega. A los griegos les gustaba la música tanto como a nosotros y tenían mucha.
Desafortunadamente no contaban con un método fiable para la escritura de la música y no tenían la capacidad de hacer la música. y sólo sobrevivieron algunos libros de textos abstractos. Los músicos monásticos de los años oscuros no tenían ninguna pista acerca de cómo sonaba la música griega.
Sorprendentemente, esto no les disuadió de su intento a base de dolor y errores por construir un sistema musical basado en las teorías griegas. Era como si fueran buceadores de las profundidades en busca de un barco hundido, sólo con los planos del diseño original del barco para guiarse y sin ninguna indicación de por qué océano empezar la búsqueda. Cultural y musicalmente hablando para estos monjes medievales, debió ser algo como investigar en una especie de vacío lo que sí tenían era el canto que se había desarrollado como el cristianismo a partir del judaísmo Esta pequeña llama es el único vínculo musical con vida con que cuenta Europa con respecto a los siglos antes de Cristo.
La abadía de Santantimo se fundó en el siglo VIII y los monjes todavía siguen cantando aquí al menos dos veces al día, tal y como hacían entonces. Esto no es simplemente una música agradable, tal y como frecuentemente se piensa hoy, ni tampoco un tipo de aromaterapia para los oídos. El canto es y fue en la Edad Media la expresión musical de la fe cristiana. No se trata de un espiritualismo confuso sino las verdaderas palabras de las masas, los salmos, los himnos y las escrituras.
Lo que constituía una amplia biblioteca mental de melodías que abarcaba cada misa de cada día. cada día del año. En el siglo VII, el Papa Gregorio el Grande, de ahí el nombre de Cantos Gregorianos, ordenó la codificación de todo el repertorio de cantos, de modo que todo el territorio europeo cristiano cantara el mismo himno siguiendo el mismo libro. Ahora esto parece mucho más simple de lo que fue. Aunque habían escrito las letras, estos pobres monjes tenían en la cabeza toda la música.
Lo que se Significa que cada nota de cada canto tenía que ser aprendida de memoria. Estamos hablando de algo que sería como 80 horas de música, el equivalente a memorizar las obras completas de Beethoven y Wagner sin la ayuda de partituras. Me pregunto cómo los músicos religiosos modernos podrían hacer frente a tal objetivo.
Para averiguarlo hice que el coro de la Catedral de Salisbury volviera en los años oscuros simplemente quitándoles toda su música impresa. Memorizar un par de miles de cantos no solo llevaba media vida sino que también tenía uno o dos graves inconvenientes El excelente coro de la Catedral de Salisbury me va a ayudar ahora a demostrar uno de estos defectos Voy a cantar una pequeña melodía, Richard el director del coro y él luego se lo cantará a otro miembro del coro y este a otro y así sucesivamente hasta el final. Cuando haya llegado al último miembro, será la misma melodía o será un caso de rumor gregoriano. Vamos Richard.
Y es una diferente solo después de dos audiciones. Tiene una longitud diferente, un tono diferente y una velocidad diferente. Si para un coro cualificado como este es difícil, imagínense cómo serían los tiempos gregorianos cuando sólo había niños campesinos analfabetos en los coros. La la la la la la la La la la la la la La la la la la la La la la la la la La otra forma en que la gente intentaba enseñar las melodías era teniendo un maestro del coro con una buena memoria que movía las muñecas para indicar en qué dirección iba la melodía La la la la la la ¡Ahhh!
Obviamente la necesidad de encontrar un tipo de ayuda escrita para la memoria se estaba convirtiendo en una prioridad imperiosa para los monjes músicos de la Europa Medieval, en la época en que el emperador romano Carlomagno ordenó la codificación y revisión de los cantos gregos. gregorianos del 800, había empezado a surgir un tosco sistema de garabatos y símbolos que sería el precursor de la escritura musical. Se denominaban bosquejos taquigráficos. Para averiguar exactamente qué era lo que se llamaba bosquejo taquigráfico, se utilizaba un sistema de escrituras musicales. que es un bosquejo taquigráfico tenemos que visitar el centro del imperio romano de carlo magno en la base de los alpes suizos se encuentra uno de los mayores centros de copia y diseminación de los cantos de la europa medieval la abadía de san galen fue totalmente renovada en el siglo 18 como pueden ver por esta espectacular biblioteca barroca con su delicado y brillante suelo Incluso entonces ya eran conscientes de los manuscritos medievales extraordinariamente valiosos y poco comunes de la época de Carlomagno que estaban en su poder.
Fantástico. Este libro de unos 1200 años de antigüedad es el primer ejemplo que se conserva de los intentos de escritura musical de la Europa cristiana. También es extremadamente frágil. Ahora si miran el texto en latín de aquí, verán varias marcas de líneas y símbolos. como si fuera un tipo de escritura.
Son los bosquejos taquigráficos. Los bosquejos taquigráficos son el intento primitivo por dar contorno y forma a la melodía que se supone está encima de la letra. Existe una gran variedad de bosquejos taquigráficos.
Cada región de Europa, prácticamente cada monasterio, tiene su propio estilo de bosquejo. Los de Saint-Galain parecen acentos graves y circunflejos franceses. De hecho es así como algunos eruditos piensan que se originaron...
por primera vez los bosquejos. Otra explicación es que son representaciones gráficas de las señales manuales y de los gestos que un director utiliza para mostrar a los cantantes qué nota cantar después. Ahora si miramos los bosquejos, una nota corriente está representada por un punto como este, igual al del código Morse. Si se quiere cantar una nota que sea, esa es una nota seguida de otra ascendente.
Entonces utiliza este signo que parece una marca o un acento grave seguido de un acento agudo. Este signo de aquí, que parece como un aro, es justamente lo contrario. Es decir, una nota seguida de otra menor.
Como ven, sigue una acción. cierta lógica. Pero los bosquejos tienen un defecto funesto. Muestran la forma de la música que se está cantando, pero no indican desde dónde hay que empezar, ni tampoco cómo las diferentes melodías se relacionan entre sí. Los bosquejos taquigráficos son un poco como un mapa que tiene el dibujo de las carreteras pero sin los nombres ni los números de éstas.
Un mapa sin norte, sur, este u oeste. De hecho bastante ineficaz a menos que uno sepa la melodía que está cantando y quiera refrescar la memoria. Eso es para lo que mejor sirven los bosquejos.
bosquejos taquigráficos, para recordar una melodía que uno ya sabe, no para enseñarla por primera vez. La insuficiencia de bosquejos era un problema para todas las abadías y catedrales de Europa. Entonces, en el norte de Italia se produjo el gran hallazgo, una idea que revolucionó a los humildes bosquejos taquigráficos convirtiéndolos en agentes de cambio dinámico.
Y esa gran idea fue una delgada línea roja. La línea roja actuaba como un tono de referencia fijo al que se adherían las notas. Gracias a esto, puedes conocer dónde empieza o dónde cambia la melodía, observando dónde están situadas las notas con respecto a la línea roja.
Este es el himno a Santa Cecilia, patrona de la música, y lo que ven en este manuscrito de 900 años es el momento congelado en el tiempo en que la música occidental dio un gran salto hacia adelante. Una delgada línea roja. No sabemos quién pensó en ello por primera vez, pero lo que sí sabemos es que vio su importancia y su potencial y lo plasmó en el mapa musical. Su nombre era Guido Mónaco y la leyenda dice que pudo haber pasado su vida.
últimos días en el monasterio de Fonta Bellana en el norte de Italia. Puede que una delgada línea roja no parezca tan importante a primera vista, pero sin embargo es el equivalente en música a la imprenta o al pan de molde. Por tanto, es hora de que sepamos más acerca del individuo responsable de ella. Buen día, D'Aresso. La historia no da muchas pistas sobre Guido Mónaco, Guido el monje.
Excepto que su reputación de maestro de canto innovador hizo que el obispo de Arezzo pusiera precio a su cabeza. Guido llegó aquí para trabajar alrededor del año 1020. Gracias a sus métodos revolucionarios su fama se extendió por toda la Europa cristiana. El hecho de que Guido, el hombre que nos proporcionó la escritura musical, apenas sea un nombre familiar, se puede atribuir a Arezzo, la ciudad toscana universitaria donde vivió y trabajó durante muchos años.
A pesar de que Arezzo cuenta con varios personajes célebres, como el poeta Petrarca, el biógrafo renacentista Versare y el artista Piero della Francesca, por sólo nombrar a tres de ellos, no ha olvidado a su solitario genio musical. realidad, a finales del siglo XIX, en una muestra de orgullo cívico, le redescubrieron a lo grande. Desgraciadamente gran parte del siglo XIX en lo que a Guido se refiere no muestra un gran escrutinio histórico. Por ejemplo, esta casa proclama orgullosa que Guido nació y trabajó aquí.
Una de las pocas cosas sobre su vida que ahora los eruditos saben sobre seguro es que ninguna afirmación es válida. Una cosa de la que podemos estar seguros es que Guido vino aquí. Estas ruinas son lo único que queda de la catedral en la que él trabajó en el año 1020. Construyeron otra catedral un siglo más tarde al otro lado de la colina.
Este edificio fue demolido en el siglo XVI por Cosimo de Medici para mostrar al pueblo de Arezzo lo poderoso que era. Fue en este edificio donde Guido montó una escuela de coros que pronto sería famosa por toda Italia. En términos generales, sus métodos siguen utilizándose hoy en día. Los miembros del coro de huido que cantaron aquí, en este mismo edificio, fueron las primeras personas que leyeron música en el papel. Que alguien pudiera cantar una melodía que no había oído antes, simplemente con mirar a los garabatos y puntos sobre el papel, fue considerado como una de las maravillas de la época.
Guido escribió dos bestsellers medievales sobre la enseñanza del canto. El más influyente de los dos lo escribió aquí, en Arezzo. En él demostraba que este nuevo método linear de escritura musical hacía que la lectura de las notas fuera fácil y clara.
Su idea principal era la del principio linear. Trazaba una línea roja. horizontal como ésta y la llamó f decía que esto siempre representaría a la nota fa así que puso una efe al principio de la línea hoy lo denominamos clave palabra francesa para clave y we do El ruido fue su inventor, de modo que una marca sobre la línea significaba que había que cantar la nota fa, y una marca por encima de la línea significaba que había que cantar la nota siguiente, sol, y una marca por debajo de la línea implicaba cantar la nota anterior, mi. Ya sé que esto ahora nos parece muy sencillo, pero también nos lo parece la rueda, y a la humanidad le llevó muchísimo tiempo inventarla. Por último, añadió otra línea amarilla.
Una estrella por encima de esta que representaba la nota Do. Y una tercera línea entre estas dos que representaba la nota La. Los espacios entre ellas eran Sol y Si, así que tenían las notas Fa, Sol, La, Si, Do. Y esta es una copia de las líneas que aparecen en su libro, Micrologius.
Y todo lo que hay que hacer es seguir las marcas de la línea. Gracias Roberto. Para leer las notas, una tras otra, fácil, como coser y cantar.
La escritura musical era la teoría y muy buena por cierto, pero Guido como maestro de canto quería ayudar a los miembros de su coro en la práctica, quería que sus alumnos pudieran oír en sus cabezas el tono de cada nota desarrollando así un instinto sobre en qué momento se puede escuchar. medida sería grave o aguda una nota. Como ven, para cantar una melodía correctamente hay que reconocer instantáneamente la distancia entre dos notas. Por ejemplo, cuando cantamos El primer tiene cuatro notas y cinco, o podría tener siete como él. Por tanto, estos cambios se llaman intervalos y Guido encontró una forma novedosa de recordarlos.
Aquí tenemos una pista. Fue Widop quien inventó la escala do remi que todos tuvimos el placer de escuchar en sonrisas y lágrimas. Todavía hoy se utiliza como método para enseñar a los niños a cantar, igual que hace mil años cuando Guido la inventó. Para obtener alguna pista más sobre esta figura tan exclusiva y para ver su escalador remi en acción, fui a visitar el pequeño pueblo de Tala, a unos 30 kilómetros de Arezzo, donde la leyenda dice que nació Guido.
Se ha construido un verdadero santuario en honor a Guido en la parte alta de la ciudad. El vicealcalde, el conservador del museo, la policía y funcionarios de la ciudad me acompañaron a ver su exquisito museo Guido. Puede que Talano tenga muchos testimonios en su vida. ...escolásticos para su reivindicación sobre Guido, pero para el turista en busca de Guido es mejor que nada.
El museo, aunque es pequeño, no carece de la iluminación más sofística. Y aquí tenemos el sistema de canto huido con un diseño infantil en la pared. Igual que María en Sonrisas y Lágrimas, Guido enseñaba a los miembros del coro una cancioncilla que él mismo había inventado.
Su canción, Ut quen laxis, no era tan fácil de memorizar como la de ella, ni tampoco los miembros del coro llevaban pantalones tiroleses. Pero la idea era la misma. Los nombres Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La eran las primeras sílabas de cada palabra latina de este memorable himno.
Por cierto, el sistema de Guido de hecho se llama Ut, Re, Mi y no Do, Re, Mi, pero esa es otra. otra historia. Creo que estarán de acuerdo en que la frase Ut e Dier e Fimel Dier no suena igual.
Cada una de las frases comienzan con una nota diferente y las notas están dispuestas en orden ascendente de graves a agudas. La parte final se añadió más tarde, en caso de que se lo estén preguntando. Si pulso este botón de aquí, un grupo de monjes atrapados para siempre se van a encontrar.
Con el fin de ayudar a los cantantes con el nuevo sistema Utremi, incluso inventó un truco por el cual cada uno de los nudillos de los dedos de la mano representaba una nota diferente de la escala. Se denominó la mano huidoniana. Era un poco como tener una calculadora de bolsillos siempre a mano. De hecho, Huido no sabía cuál de estas tres técnicas, el sistema de escritura, Utremi, o la mano, sería la más útil.
Pero paulatinamente en toda la Europa cristiana se impuso el sistema de cuatro líneas y fue adoptado universalmente. En el siglo XII todos los libros de canto serán muy parecidos a este Con las cuatro líneas para que cualquiera en cualquier lugar con la formación correcta y un poco de iniciativa pudiera leer la melodía La quinta línea con la que estamos familiarizados fue añadida para otros tipos de música en el siglo XIV La quinta línea con la que estamos familiarizados fue añadida para otros tipos de música en el siglo XIV Lo que Guido intentaba hacer era reducir el aprendizaje de los cantos gregorianos de 10 años a 1. El mismo había sido miembro de un coro. De hecho el pueblo de Tala sugiere que puede que empezara su vida en la iglesia como un joven monaguillo en el siglo X en Santa Trinidad de Bari, monasterio escondido en los bosques de Patromanio al norte de la ciudad. Por eso, el mismo Guido escribió. Por tanto, con la ayuda de Dios me he decidido a escribir este libro, de tal modo que cualquier persona inteligente y estudiosa pueda aprender los cantos con él.
Si alguno dudara de que lo que digo no es cierto, déjenle que venga y vea cómo los niños pueden hacerlo bajo nuestra tutela. Niños que hasta ahora tenían una completa ignorancia de los salmos. Los métodos de Guido ciertamente revolucionaron la enseñanza del canto, pero lo que él nunca pudo prever era que este nuevo sistema de líneas tendría otro efecto dramático en el curso de la música occidental, que lo convertiría en todo un hallazgo.
Ahora se podía escribir una variedad de música mucho más sofisticada y sin depender de la memoria de nadie. En otras palabras, Guido preparó el camino para que surgiera un tipo diferente de músico, los compositores. Antes de la llegada del sistema de escritura, la música europea, igual que las demás del mundo, era básicamente una forma improvisada en manos de músicos cualificados. Después de Guido, la responsabilidad pasó drásticamente del músico a la nueva raza de compositores especialistas.
Los músicos religiosos anónimos ya habían comenzado a experimentar con una forma primitiva de armonía. Pero la habilidad de leer las notas dispuestas gráficamente sobre el papel aceleró enormemente el crecimiento de una técnica que combinaba dos líneas de voces juntas. Los compositores tardaron otros 200 años en reunir el coraje suficiente como para escribir tres líneas a la vez. 150 años más tarde podían manejar cuatro líneas que pasó a ser algo común durante los siguientes siglos.
El Señor es el Señor, el Señor es el Señor, el Señor es el Señor, el Señor es el Señor. Por supuesto los compositores aventureros mezclaban y emparejaban las piezas, de modo que podía haber una parte de solo, una parte de dos voces, una parte de tres y una parte de cuatro, y así sucesivamente. A esto siguieron trabajos de gran belleza. Uno de ellos, el miserere de Allegri, fue considerado por el Papa como demasiado potente y perturbador para la mente de los mortales y decretó que su propio coro solo lo cantaría una vez al año.
Copiar la pieza sería castigado con la excomulgación y los originales se conservaban bajo llave en el Vaticano. Sin embargo, el Papa no había tenido en cuenta la habilidad de un joven de 14 años que con sólo ir una vez una pieza podía volver a sus aposentos. y escribirla de memoria, en lo que por cierto, tardaba unos 15 minutos. Luego sacaba la copia ilegal fuera de Roma y por tanto rompía el embargo oficial de una forma descarada.
El joven en cuestión era Wolfgang Amadeus Mozart. Sin sistema de escritura, adiós a Mozart y adiós al miserere. Este es un extracto del miserere de mayo de Alegre interpretado por el coro de la catedral de Oxford.
¡Ci, sole, peccario, et mario, qui! ¡Ui, justificere, insincer, morir! ¡Gracias por ver el video! El Evangelio de la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días El rey, oh, el rey, oh, el rey, oh, el rey, oh, el rey, oh, el rey, oh, el rey, oh, el rey, oh, el rey, oh, el rey, oh, el rey, oh, el rey, oh, el rey, oh, el rey, oh, el rey, oh, el Los compositores podían crear música que posiblemente no hubiera podido ser concebida solo con tocarla espontáneamente. Y lo que es más, podían dar forma a piezas largas que iban más, más allá de la capacidad de memoria a corto plazo de una persona.
Quizás la arquitectura sea la mejor analogía. Con los materiales adecuados y un poco de pegamento, puedo construir un cobertizo sin ningún plano dibujo. Pero no hay ninguna manera de poder construir la catedral que está al lado sin la ayuda de los dibujos del arquitecto.
Sin un plano gráfico detallado, la arquitectura musical necesita a cada paso los mismos planos que necesitaría la catedral de Salisbury en su época. Desde el nacimiento del Homo Sapiens hasta la época de Guillermo el Conquistador, la música esencialmente consistía en una melodía con acompañamiento rítmico. Pero desde la invención de Guido en adelante, la velocidad de cambio y el desarrollo de la música ha sido en comparación tremendamente vertiginoso. No creo que fuera consciente del genio al que estaba dejando salir de la lámpara cuando ofreció a la música una base sobre la que trabajar y consecuentemente haciendo posible millones de combinaciones armónicas. A medida que los siglos fueron pasando, las partituras musicales se fueron haciendo más complejas y sofisticadas.
Más y más arreglos se añadieron a la delgada línea roja, lo que tuvo por resultado el desarrollo de un lenguaje musical enciclopédico. A principios del siglo XX, Stravinsky intentó ampliar la partitura de orquesta hasta el límite, añadiendo no sólo múltiples capas de melodías, sino también de ritmos simultáneos. A finales del siglo XX la adopción del sistema de escritura musical de Occidente por parte de todas las músicas del mundo era un hecho imparable. El sonido había puesto a disposición del mundo la herramienta de composición más eficaz.
En unos 100 años, a partir de la publicación de sus sistemas, pudimos ver por primera vez los nombres de compositores ligados a la música. Para mejor o para peor, la música empezó a pertenecer a cierta gente. Antes había sido una divisa compartida, una mercancía ilimitadamente reciclada y envasada.
Ahora se había convertido en un registro permanente, en una obra de arte. La música estaba por encima del momento, la persona, el país o el idioma y podía transportarse a sí mismo hasta otra persona en otro país u otro tiempo y lugar y seguir siendo la misma pieza de música. Solo podemos imaginar cómo sonaría la música a los oídos del mundo. Faraón Ramsés II o de Marco Antonio y Cleopatra.
Pero hoy podemos tener en nuestras manos la música escrita durante el reinado de Ricardo Corazón de León o Napoleón Bonaparte gracias a Guido. Ninguna otra cultura ha podido crear un sistema de escritura como el modelo occidental. Incluso los chinos, sofisticados musicalmente, tenían un código. Pero este solo dice donde hay que colocar los dedos en un instrumento de cuerda. Apenas...
...dice nada sobre la música......el código también fue utilizado para el laúd......precursor de la guitarra......otra forma moderna de código......son los símbolos de guitarra......que se utilizan en la música pop......como en la canción de Jimi Hendrix......Larga y cálida noche de verano... Y aquí están los nombres de los acordes, 2 sostenido 4, sol 7 o si. El problema con este código es que tampoco informa sobre el ritmo, la velocidad o incluso sobre la melodía de la canción. Asume que uno sabe la canción que va a tocar.
Es como refrescar la memoria. Un poco como los bosquejos taquigráficos en ese respecto. Por eso, la escritura linear de Guido, partiendo de los bosquejos, se ha extendido por todo el planeta como el único modo, completamente exacto.
para escribir la precisa intención de los compositores. Todos los tipos de música de otras culturas han sido traducidos al sistema occidental, incluso el jazz, cuando los compositores querían crear estructuras mayores o más ambiguas para especificar qué notas deberían tocar los músicos o para añadir más instrumentos a la banda, sólo había una opción realista, utilizar el sistema de escritura de Guido. Música Algunas veces el sistema de escritura ejerce una influencia tal sobre la música que parece que acaba de ser compuesta en el acto. El aparente flujo libre de sonidos improvisados de un músico como Kearney Payne son posibles gracias a una plantilla musical escrita con la ayuda de un músico.
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Y el DJ los une improvisadamente. Así que la naturaleza del tema es improvisada, sí. Pero definitivamente hay una estructura en lo que estamos haciendo.
Si escribes algo, tanto si es una serie de acordes como una melodía, ¿es como un punto de partida? Sí, desde luego. Yo doy los acordes, ellos dan la melodía y también los acentos.
Cada uno toca en base a eso. ¡SUSCRIBETE! En algún momento de tu carrera, tuviste que aprender todos esos acordes y que eran exactamente...
Sí, es como el código morse, es como un lenguaje. Tienes que tener algo que puedas comunicar a los otros músicos. Aprender cómo leer y comprender todo el sistema es duro, pero es esencial si eres serio con la música. ¡S En este escritorium de la abadía de Fontenay, en Burgundi, los monjes medievales solían copiar penosamente innumerables libros y partituras de música. Al final, la imprenta hizo que su laborioso arte pareciera superfluo.
La nueva y poderosa tecnología de nuestro tiempo va a suponer que los cambios originados por la imprenta parezcan, en comparación, un juego de niños. Aunque algunos compositores clásicos profesionales sigan escribiendo a mano todas sus partituras, la tendencia arrolladora es escribir la música en el papel utilizando otros medios. Hace cinco años yo solía escribir mis composiciones al estilo antiguo.
manuscritas sobre el papel, como miles de compositores del pasado. Ahora cuento con el potente software Sevalius para que lo haga por mí. Puedo poner las notas en la partitura virtual, tecleándolas aquí, o bien puedo tocarlas simplemente en el teclado.
Y si quiero, también puedo imprimirlas. La cosa es que aunque esta música impresa instantáneamente parezca maravillosa, de hecho es bastante imprecisa o mejor dicho tan precisa que contiene montones de pequeños detalles que posiblemente no podría entender si estuviera tocando el piano. Los ordenadores escriben exactamente lo que toco, con todos los errores y sutilezas humanas incluidos Por tanto, una pequeña pieza simple de música se ha convertido innecesariamente en una pieza complicada Ahora eso no supone ningún problema para mí porque puedo editar editar las notas de una forma práctica para que otros músicos las puedan seguir.
Pero sería un problema para un músico que no hubiera estudiado música a la antigua. Y existe una nueva generación de compositores que dependen mucho del ordenador para que éste les escriba su música. Cuando los viejos como yo nos hayamos ido, existirá el peligro de que haya muy poca gente que sepa qué aspecto tiene la música, ya que sólo habrá una versión computarizada de la misma.
Con toda esta impresionante tecnología, puede que vayamos camino de una situación similar a la que estaban estas abadías en los años oscuros cuando sólo una minoría de gente podía descodificar las complejidades del lenguaje musical. A Guido D'Arezzo le habría encantado el software musical Sevalius que yo tengo en mi estudio. Habría hecho mucho más fácil su labor de codificar y archivar el gran repertorio de cantos al que se enfrentó todos los días de su vida. En su lugar, tuvo que desarrollar un sistema de escritura manual que hizo posible la pasión de San Mateo, las bodas de Fígaro y la consagración de la primavera.
Por no mencionar Rhapsody en Blue o los arreglos de Nelson Riddle para Sinatra. Creo que somos muy afortunados con lo que hizo, porque, pase lo que pase después, la música escrita del primer milenio ha sido una fantástica aventura. La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días