[Musique] juste avant la Première Guerre mondiale sous l'impulsion de peintre comme Vassily candinski Robert et Sonia Delaunay ou Casimir Malevitch la deuxième vague avec Serge Poliakov ou Nicolas de Staël va elle rencontrer le succès après la Seconde Guerre mondiale Kandinsky appelle abstrait le contenu que la peinture doit exprimer soit la vie invisible [Musique] ce tableau s'appelle cavalier improvisation 12 pour moi c'est un tableau très fascinant car c'est une composition abstraite mais vous avez l'impression que vous voyez des silhouettes voyez un cheval et vous voyez deux figures ici sur un cheval un cavalier mais ce n'est plus très clair je pense que dans l'oeuvre de Kandinsky ce tableau est important parce que c'est 1910 et qu'il est déjà abstrait mais il retourne à ses motifs paysans ces peintures rurales qu'il trouve dans l'église de murnhaut et une des images les plus importantes de l'Église catholique et le Saint-Georges qui tue le dragon et la légende de Saint-Georges tuant le dragon est clairement ce qu'il a inspiré ici Vassily Kandinsky est né à Moscou en 1866 et il est mort en France en 1944 considéré comme l'un des artistes les plus importants du 20e siècle aux côtés notamment de Picasso et de Matisse il est l'un des fondateurs de l'art abstrait la création par Kandinsky d'une oeuvre purement abstraite n'est pas intervenu comme un changement abrupt c'est le fruit d'un long développement d'une maturation et d'une grande réflexion théorique fondée sur son expérience personnelle de peintre chez Kandinsky il y a aussi un élan vers un désir spirituel qui l'appelait la nécessité intérieure le moteur essentiel de l'art passez les Kandinsky commence à peindre vers 1895 soit à l'âge de 30 ans il s'installe alors à Munich en Allemagne ville artistique et il étudie à l'Académie des Beaux-Arts avec de grands professeurs la modernité et l'expressionnisme des premiers peintres fauves le touche et sa peinture commence alors à s'exprimer dans les différentes avant-gardes avec plusieurs amis peintres il réfléchit aussi sur le rôle de la peinture dans celui de la représentation [Musique] ils vont même vivre ensemble et iront s'installer à murnod non loin de Munich dans une maison de campagne [Musique] est une route menant de murmod vers call-grob qui est un petit village elle passe par l'endroit où plus tard il a eu cette maison ski essaie de dessiner la lumière du soleil de reproduire cette réflexion du soleil sur cette route qui part vers le fond et puis il y a cet arbre merveilleux avec beaucoup de couleurs assemblées ici vous voyez il représente une ombre et en voyons l'ombre vous comprenez que l'arbre est coupé à cause de cette partie que vous voyez ici l'arbre est comme une gaine lumineuse c'est pas un très légèrement et très rapidement c'est en fait un condensé de ce qu'il voit dans les couleurs du paysage et qu'il met à la surface de sa peinture et sur la surface de la route malheureusement peu des oeuvres de sa première période dont subsister autant mais quelques tableaux de paysages et de villes ont été conservés il y utilise de larges touches de couleur encore avec des formes bien identifiables [Musique] je pense que 1910 était vraiment l'année la plus importante pour le développement de l'abstraction dans la carrière artistique de Kandinsky a une très belle vue elle a un très joli jardin à une très belle vue sur Renault si une sorte de château et à l'église c'est vu du jardin il a peint deux peintures qu'il appelle jardin la première appelée numéro 1 est une composition très dynamique du sentiment qu'il a quand il regarde un jardin c'est très atmosphérique vous avez vraiment le sentiment du vent de l'été ici aussi sur les fleurs c'est vraiment une composition très dynamique le temps que Kandinsky a passé à l'École des beaux-arts a été facilité par le fait qu'il était plus âgé et plus expérimenté que les autres étudiants il avait d'ailleurs commencé sa carrière de peintre tout en devenant un véritable théoricien de l'art du fait de ces réflexions sur son propre travail mes oeuvres sont austères et froides à l'extérieur et ardente à l'intérieur disait-il [Musique] le deuxième tableau il le peint apparemment directement après jardin 1 c'est jardin 2 ce qu'il fait c'est qu'il change le format et ça améliore la dynamique et elle se déroule en quelque sorte il semble encore peindre un jardin vous avez toujours l'impression qu'il y a des fleurs vous avez toujours l'impression qu'il y a des maisons en arrière-plan c'est comme une vague de couleur qui vient comme ça sur le tableau [Musique] le dessin par rapport au contour au début du 20e siècle l'art pictural évolue en Europe les impressionnistes sont ouverts le chemin de la modernité et derrière eux les mouvements post-impressionnistes s'activent les artistes voyagent aussi beaucoup et ils échangent leurs points de vue un moment Munich et la haute Bavière à cette époque si vous lisez les romans de Thomas man étaient une sorte de mode de vie artistique cela inspirait un style de vie pour ces personnes qui pensaient révolutionner la peinture et là très inspiré par l'exemple de Paris Paris découvre le cubisme qui est totalement une réduction de couleurs on est dans la joue des couleurs inspiré par des personnes comme manga ou Matisse les fauves étaient très influents à cette époque de travailler sur une exposition montrant Paris et Munich avant la Première Guerre mondiale en effet en hiver les artistes comme Kandinsky étaient roman ils ont souvent voyagé et très souvent à Paris ils ont redécouvert Jean-Jacques Rousseau [Musique] c'était un échange artistique très intéressant à cette époque mais les œuvres de ses débuts ne sont en fait que des tâtonnements pour trouver sa propre voie avec ses amis à l'heure de la photographie Kandinsky se pose la question de la représentation de l'objet et il répond par le choc des couleurs et des lignes sera-t-il le premier artiste à franchir le pas de l'abstraction l'histoire n'a pas réussi à le prouver mais il est alors un artiste qui appartient résolument au 20e siècle [Musique] c'est la première peinture abstraite [Musique] c'est qu'il donne toujours le sentiment qu'il y a une histoire à raconter on a toujours le sentiment qu'il y a des éléments de peinture comme celui-ci un motif d'église peut-être Kandinsky c'est vraiment libéré du besoin d'être représentatif et il devient vraiment abstrait ce qui est très intéressant dans cette peinture c'est que la couleur et la forme et le dessin sont pratiquement indépendants [Musique] un murmo avant la Première Guerre mondiale c'est donc l'effervescence et ses amis Franz Mark Gustave Klimt ou Arnold de Schoenberg fond d'un groupe et ils hésitent un almana collectif le Cavalier Bleu le bleu writer la première exposition du Cavalier Bleu montre des œuvres graphiques des dessins et des textes si ces artistes partagent certaines idées avec les expressionnistes ils veulent également capter l'essence spirituel de la réalité [Musique] le Cavalier Bleu ce n'est pas un groupe de peintres ce n'est pas un mouvement c'est essentiellement un livre Kandinsky et Marc ont décidé de faire ce livre l'idée n'était pas d'écrire un manifeste ou un programme cet édité de rassembler du texte et des images le livre lui-même est une œuvre d'art nous avons plusieurs versions ici c'est compliqué car il y a différentes éditions et l'édition de luxe a été reliée en cuir bleu et ce signe là a été inventé par Kandinsky pour le groupe il n'était pas important d'être à l'unisson il voulait montrer la diversité de l'art ces nombreuses façons d'être populaire non occidentales mentale antique et bien sûr moderne dans leur almanach ils ont d'ailleurs développé un art spirituel dans lequel il réduisent le naturalisme au point d'arriver à l'abstraction à travers des images et des textes et vers la spiritualité de la nature et du monde intérieur [Musique] entre les mots et l'image qui créent ce type de vibration que Kandinsky voulait travailler et créer chez le spectateur et il était très convaincu lui et Marc était très convaincu que tout leurs travaux produits dans l'almanach étaient liés par cette nécessité intérieure il y a donc une fois dans l'oeuvre de Kandinsky il soutient que la peinture est un monde en soi qui agit sur le spectateur et qui provoque en lui de profonde expérience spirituelle c'est un artiste inspiré qui cherche et trouve un sens à son œuvre même si dans l'almanach la cohésion des diverses publications n'est pas toujours clair [Musique] seul le contraste vous permet de vous impliquer et de réfléchir à ce que cette image fait ici a-t-elle une relation avec le texte ou faites-vous cette relation avec la forme de la bouche par exemple on ne sait pas par quoi qu'on dit ce qui a été inspiré avec ses peintures et ses images dans le texte mais c'est censé inspirer c'est destiné à vous amener à un nouveau niveau de compréhension de la en dehors de l'almanach la collaboration entre les artistes continuent Kandinsky avait pu rencontrer le compositeur Arnold de Schoenberg qui aura beaucoup d'influence sur sa peinture ils se sont de plus en plus guidés par la musique et il compose vraiment ses tableaux de plus avec sa dynamique du geste et avec ses couleurs éclatantes il dissout la figuration tout en restant dans l'expression [Musique] c'est son plus grand tableau qui s'appelle composition numéro 7 il est peint en 1913 normalement il est exposé à la Galerie chrétienkov à Moscou ce qui est vraiment essentiel dans ces abstractions c'est de savoir que Kandinsky avait rencontré Arnold schwenbergy était très fasciné par la composition de shawnmerg dans une de ces lettres il écrit la façon dont vous proposez je veux peindre [Musique] et il commence effectivement par cette structure en forme de tram noir avec des lignes et à partir de ce centre vous avez différentes zones de peinture de couleur ou d'éléments dessinés la peinture est conçue pour que l'oeil s'implique pour faire comprendre aux spectateur le sujet de la force réelle de la peinture ce que Kandinsky pourrait appeler obtenir des vibrations je pense que le temps normal que l'on devrait passer devant cette peinture et d'environ trois heures avec la Première Guerre mondiale le groupe du Cavalier Bleu va se disperser car deux de ses membres hyperir après guerre la République devait Marc en Allemagne est proclamé loin de Berlin ou le climat social est insurrectionnel depuis la révolution de 1918 qui a renversé l'Empire vémar a aussi été le centre du mouvement Bahaus le Bao c'est alors une école d'architecture et d'art novateur qui a pour objectif de fusionner les arts après la publication de son livre du spirituel dans l'art Kandinsky idonne des cours qui reprennent sa théorie des couleurs en y intégrant de nouveaux éléments sur la psychologie de la forme les éléments géométriques prennent dans son enseignement comme dans sa peinture une importance grandissante en particulier le cercle le demi-cercle l'angle et les lignes cette période est pour lui une période d'intense production mais confronté à l'hostilité des parties de droite le bas à haut s'est fermé en juillet 1933 par les nazis [Musique] alors ces dernières toiles allemandes avant de quitter le pays pour venir s'installer en France à Paris [Musique] avec ce développement brun on retrouve effectivement un langage encore extrêmement rationnel géométrie avec cette structure avec des plans de couleur qui s'imbriquent les uns dans les autres le rectangle le triangle le cercle alors la particularité de ce tableau c'est que on c'est la dernière composition qu'il réalise en Allemagne et on voit cette sorte de tonalité brune qui est en train de recouvrir entièrement la composition et qu'on peut lire l'étalement comme une sorte de métaphore de ce développement du nazisme de cette peste brune du fascisme donc on a véritablement cette ce sentiment là d'un univers qui est en train d'être complètement au pacifié par par cette tonalité brune avec simplement au milieu une sorte de souvenir de ce qu'a pu être les formes du Barros avec leur légèreté leur couleur leur je dirais propre une interprétation qui peut être aussi prise d'un autre côté c'est à dire qu'on peut aussi se dire que ça peut être un souvenir mais ça peut être aussi une annonce de ce que ce qui attend quand une ski finalement avec son énième exil à Paris Kandinsky arrive à maturité à Paris il a 67 ans et d'une certaine façon il va réussir à synthétiser réunir condensé ce qu'il avait pour alors jusqu'à leur créer je dirais à la fois ce qui fait les caractéristiques de son œuvre blawriter les couleurs des anirus les caractères plutôt géométriques des oeuvres du Baha sont trouve une sorte de résumé de cette période et en même temps un intérêt marqué pour les sciences et c'est ce qui fait la particularité de ces années parisiennes c'est le biomorphisme on a souvent parlé d'un style biomorphique de l'influence de la biologie de l'influence du vivant qui vient donc innerver ces abstractions parisiennes le biomorphisme est une tendance artistique qui possède des affinités avec le surréalisme et l'Art nouveau mais qui n'a eu ni chef de fil ni manifeste alors où les microscopes font de large progrès les œuvres de cette tendance ont l'aspect de la vie elles sont dotées de formes végétales animales ou humaines les courbes et les lignes sont omniprésentes et Marc le changement car auparavant les œuvres abstraites étaient plus rigides [Musique] [Musique] et c'est une forme cette forme cellulaire que l'on va retrouver tout au long des années parisiennes comme une forme de leitmotiv et comme un très fort de cette période parisienne [Musique] à Paris il se trouve relativement isolé d'autant que la abstrait en particulier géométrique néerres reconnues les tendances artistiques à la mode étaient plutôt l'impressionnisme et le cubisme il vit donc et travaille dans un petit appartement dont il a aménagé la salle de séjour en atelier et il part à la rencontre du milieu artistique parisien avec ses formes biomorphiques qui si elles évoquent extérieurement des organismes microscopiques elles expriment aussi la vie intérieure de l'artiste [Musique] les premières années vont être vraiment pour lui une recherche de contact d'essayer d'exposer de convaincre des marchands pour pouvoir se créer aussi un marché un marché pour vivre parce qu'évidemment tout le marché allemand après l'arrivée des nazis ils ont disparu il y a ces contacts artistiques aussi donc avec les groupes de d'abstractions géométriques mais également avec le mouvement du surréalisme parce que très curieusement qu'en inki est à la fois revendiqué par les abstrait géométriques ce qui paraissent logique surtout compte tenu de gérer toute la période du Barros qui a précédé et par les surréalistes bretons en tête qui est totalement fanatique de koninsky qui lui a acheté des oeuvres à moi-même qui arrive à Paris et qui va essayer de toute force de l'entraîner dans le mouvement surréaliste et en fait Kandinsky se tient à l'écart de ces deux mouvements c'est à dire qu'il va exposer avec les uns avec les autres mais il va rester quand même sur son compte à soi gandin ski sans cesse en évolution va utiliser du sable qu'il mélange aux couleurs pour donner une texture granuleuse à sa peinture qui devient sidérale et qui évoque le monde des rêves mouvement est une composition importante dans l'année 1935 de Kandinsky c'est ce qu'on pourrait appeler une composition cosmique on a on a vu comment il s'inspirait de du monde microbien des cellules etc donc de l'infiniment petit qui était en train d'être révélé dans toutes ces années 20 et 30 par les scientifiques et bien il y a également aussi la plongée dans dans l'univers dans l'espace infini de du cosmos et c'est aussi quelque chose qui est propice à la rêverie pour pour Kandinsky et il rêve littéralement ses peintures qui sont véritablement comme une sorte de d'invitation au voyage dans dans les espaces intersidéraux avec en même temps toujours quelque chose qui nous renvoie au monde de l'enfance peut-être que c'est d'ailleurs une caractéristique fondamentale de Kandinsky dès le départ dès le début de son œuvre cette attachement à aux comptes aux fables tout ce qu'il y a composé d'une certaine façon son imaginaire d'enfant et il va qui va ressortir toujours de loin en loin dans son oeuvre et de fait dans la dernière période alors que c'est déjà un mâché quand il arrive à Paris il a 67 ans et bien il rêve toujours autant comme un enfant face à au découvertes grâce à ce que on est en train de révéler du monde caché et il le traduit avec toujours un sentiment de d'allégresse de fait et aussi d'extrême liberté vous le voyez comment on a ces points de couleur qui sont comme des confettis jetés et qui sont en même temps comme des des astres des étoiles qui flottent en même temps que ces banderoles que c'est rubans que c'est que ces planètes et que rappelle je dirais de la période du Barros tous ces éléments beaucoup plus géométriques qui font référence à des instruments d'optique donc vous avez cette sorte de de syncrétisme comme ça formel chez chez Kandinsky dans cette période qui est véritablement comme une volonté de célébrer la beauté et le mystère du monde visible et invisible ici vous observez deux points verts de points verts qui est une œuvre du Centre Georges Pompidou qui est une oeuvre de 1935 qui condense je dirais deux aspects importants du vocabulaire de Kandinsky à Paris à savoir ces formes orthogonales géométriques cette c'est parallélépipèle qui nous renvoie à développement emprunt qu'on a observé dans un premier temps qui évoque là aussi le vocabulaire du bar house cette grammaire géométrique qu'il avait privilégié et en même temps dans le même temps vous observez ces formes dites biomorphiques qui caractérisent plutôt la période parisienne ces formes rondes en suspension qui viennent en filigrane du fond de la composition donc on a une opposition aussi entre biomorphisme et géométrie ce qui caractérise aussi de points verts du point de vue technique c'est l'adjonction de sable c'est une innovation formelle chez Kandinsky à partir de 1935 il regarde les travaux de Braque de Picasso probablement aussi ceux de maçon et il ajoute à ses pigments de la matière qui crée aussi des œuvres plus vivantes plus incarnées que de l'été justement à l'époque les œuvres des abstraits géométriques que Kandinsky aimait à qualifier de ironiquement d'oeuvre morte et lui prenait au contraire une abstraction vivante et les formes biomorphiques que vous voyez viennent justement donner de la vie à la composition géométrique [Musique] goldine ski fait donc évoluer son biomorphisme il le mélange à l'abstrait pur plus rectiligne il obtient ainsi une vision en relief de son œuvre une spatialité qui l'obtient aussi avec ses couleurs [Musique] [Musique] [Musique] une toute petite composition ou ce distant dans quelque chose de beaucoup plus large beaucoup plus large mais parfois le temps sidéral s'arrête la couleur disparaît au fil de ses théories Kandinsky explore des pistes les tons plus pastels et les fonds noirs font alors leur apparition non sans élégance [Musique] qui est une œuvre graphique sur fond noir les œuvres sur fond noir les aquarelles sur fond noir sont une caractéristique justement de ces années parisiennes et on observe ici une forme d'invertébré marin en tout cas de forme là encore biomorphes qui se trouve presque vogué au rythme de cette ligne blanche que l'on voit au premier plan et elle se distingue par un raffinement inédit ce qui est aussi une des caractéristiques de la période parisienne puisque vous observez ici une touche quelque peu impressionniste des couleurs inédites des vers des bleus des brins et on a souvent dit de Kandinsky au cours de la période parisienne qu'il était un enlumineur un joyeux un miniaturiste et je crois que le raffinement de Kandinsky transparaît tout particulièrement dans une aquarelle comme comme ligne blanche regardez une toile de Vasily Kandinsky demande un certain travail un simple regard sur les formes et les masses colorées présentes ne correspond qu'à une première approche de la réalité intérieure de l'oeuvre sa juste appréciation nécessite une observation bien plus approfondie car elles ont toute une relation par leur position bien sûr mais aussi par leur forme ou leur couleur qui créent une harmonie comme ici dans nœud rouge réalisé en 1936 c'est une oeuvre qui est caractéristique par sa composition de nombreuses peintures de la période parisienne notamment par cette polarité cette dichotomie cette opposition cette tension entre deux formes et là vous observez deux formes cellulaires biomorphiques cette forme ici grise constellés un petit peu floconneuses et comme un petit peu figé et de l'autre côté cette forme là aussi brune qui semble s'échapper de l'image et on observe une tension entre une forme plutôt statique et une forme dynamique et au centre de l'image vous avez donc cette ligne rouge ce nœud rouge qui donne son titre à cette composition et qui vient architecturer là aussi l'image lui donner sa force et Kandinski disait à l'époque dans un essai majeur qui s'intitule toile vide qu'il écrit en 1935 il disait en fait merveilleux et la ligne et il disait qu'elle était vibrante à l'image aussi des aléas de l'existence il disait à l'image de la destinée qui nous attend et je crois que c'est ce nœud rouge et de ce fait très très intéressant mais aussi par son caractère à certains égards décoratifs et vous retrouvez ici des lignons du lait des rayures une forme de damier et tout ça effectivement est une des caractéristiques voilà de la période parisienne dans la deuxième moitié des années 30 le peintre a une période qui correspond en fait à une vaste synthèse de son œuvre antérieure les acquis théoriques sont mises en pratique sur des toiles particulièrement élaborées et longuement mûri l'année 1937 pour qu'on est une année importante parce qu'il a une grande rétrospective à Berne au qu'on ne faisait un de Berre il va également participer à une grande exposition à Paris sur les abstractions et évidemment 37 ça sonne aussi à toutes les oreilles comme en Allemagne l'exposition sur l'art dégénérés de l'exposition de Munich dans laquelle effectivement Kandinsky figure avec une dizaine d'oeuvres et on a là toute la fine fleur de la modernité de l'avant-garde qui est stigmatisé par les nazis comme des artistes dégénérés considérer donc comme un dégénéré ses toiles sont alors décrochées des musées allemands et vendus aux enchères Vassily Kandinski s'aperçoit alors qu'elle se vende plutôt bien avec cette composition qui s'intitule 30 on a [Musique] une formule que quand esquive va reprendre assez régulièrement qui sont ces tableaux compartimenté donc des tableaux qu'ils divisent en plusieurs parties régulières souvent et dans lequel il inscrit des formes qui sont comme autant de petites compositions qui pourraient être agrandi et développer à l'échelle d'un tableau alors un tableau en même temps très très strict vous voyez noir et blanc aucun souci je dirais de de séduction mais plus effectivement une volonté de radicalité s'affirmer comme effectivement intenant aussi de l'abstraction géométrique mais avec effectivement cette dimension vivante que koninsky veut introduire dans son abstraction le groupement est une oeuvre majeure de l'année 1937 qui est conservé aux modern amusette de Stockholm on observe un réel changement en comparaison de 30 à une composition complètement différente très fluide et on voit que la Kandinski ne travaille pas du tout par série cours de l'année parisienne et ici vous observez des formes molles des formes cursives courbes qui vogue dans un espace bleu indéterminé on se situe ici encore une fois entre abstraction et figuration c'est une œuvre informe d'une certaine manière avant l'heure et en même temps on voit qu'elle est innervée comme à l'accoutumée j'irai tout au long de ces années parisiennes par la nature Kandinski est sensible à son environnement et on observe des formes abstraites ici mais qui semble inspirer notamment peut-être par l'univers marin et notamment par ses séjours estivaux sur les côtes françaises et je crois que on observe en tout cas dans une oeuvre comme groupement cette influence de la nature sur Kandinsky et plus que jamais je dirais une oeuvre comme groupement est à l'image de l'art concret que revendiquait Kandinsky à Paris c'est-à-dire une abstraction qui soit justement marquée et influencé inné par les formes de la nature [Musique] l'art de Kandinsky flirte aussi avec les arts décoratifs et la frontière avec la peinture est parfois atténue [Musique] 1938 c'est notamment ce merveilleux tableau entassement réglé qui à la fois un tableau vous voyez avec cette forme qui pourrait être comme une sorte de grande cellule qui contient elle-même des milliers de formes qui effectivement là encore semble flotter ou se déplacer à l'intérieur de cette myriade de points de couleur alors c'est un tableau qui est une histoire puisqu'il l'a quand est-ce qu'il a offert à Pâques pour à sa femme Hanina et c'est un souvenir de ce que faisait les arts avec leur épouse pour pas qu'ils offraient des autres fabergées et évidemment il y a quelque chose là de tout cet art de décoratif des autres fabergers qu'on retrouve ici avec cette composition à cette sorte de débauche de couleur et de forme qui là encore renvoie aussi un petit peu à ce monde certes des cellules mais aussi du cosmos puisque on a vraiment le sentiment d'une sorte de vaste Voie Lactée avec comme des sortes de signes de de constellation zodiacales qui seraient là pour donner des repères dans dans cette infinie [Musique] pour décrire l'infiniment grand l'artiste va vider ses toiles les objets flottent alors sur des fonds très claires le vide n'est-il pas le but de l'abstraction d'ailleurs à notre artiste Miro travaille aussi dans ce sens bleu de ciel est une on peut dire une icône de ou du moins la star de l'exposition d'une certaine façon c'est une œuvre réalisée en mars 1940 à quelques mois de l'occupation [Musique] donc on observe en tout cas sur ce sur ce sur ce bleu tendre en fait des figures de fantaisie qui semble presque animée d'une vie on a effectivement un mouvement au sein de bleu de ciel le titre est aussi intéressant de ciel c'est comme si qu'en inki inventa lui-même une couleur après le bleu de Prusse après le bleu de COBAL qu'il invente le bleu de ciel et il aurait pu dire je dirais à l'image de Miro qui disait ceci est la couleur de mes rêves que le bleu était aussi d'une certaine façon la couleur de ses rêves donc une œuvre emblématique pour la période touchante compte tenu de l'occupation de la période de guerre ou du moins de l'occupation qui approche [Musique] dans les années 40 à Paris c'est donc la guerre le couvre-feu et les restrictions [Musique] Vassili candinsky est maintenant âgé avec des problèmes de santé mais il continue coûte que coûte de peindre même si ces couleurs s'estompent la mise en perspective des formes des objets est toujours prédominante dernière grande composition ambitieuse on a dans l'exposition d'ailleurs une ancre qui prépare à cette composition et qui reprend d'une certaine façon la structure de développement en brun avec gérer ces deux grandes parties assez structurées et puis un centre beaucoup plus fluctuant avec des formes beaucoup plus libres alors ce qui est intéressant et c'est là où on voit combien le travail de composition chez Candice qui est précis et subtil c'est oui c'est deux grandes formes qui véritablement structure cette composition et qui délimite en fait les trois grandes trois grands plans de couleurs et bien c'est ces deux formes elles sont en fait tenues à chaque extrémité par des tout petits triangles qui donnent tout à coup cette sorte de tension et qui font véritablement vivre cette composition directe tout à le coup on a quelque chose qui est extrêmement tendu donc aussi la couleur a beaucoup plus sombre que le reste mais également par ces petits éléments et ça c'est toute la science et tout l'art de koninsky dans son travail de compétition qui est un travail extrêmement pensé on est très loin de d'une vision spontanée comme on pouvait l'avoir notamment dans la période mini coince qui va vraiment une sorte de de d'expression finalement de du sentiment de l'émotion devant ce qu'il voyait là on est vraiment dans quelque chose de beaucoup plus intellectualisé beaucoup plus pensé beaucoup plus ruminé [Musique] c'est un une des dernières grandes compositions puisque là pour le coup on est en 1942 et il n'a plus de toile donc il va travailler sur des cartons photographiques et un stock de carton photographique dans son atelier et tous ces dernières œuvres vont être sur le même format sont en largeur sont en hauteur 1942 bon on est là vraiment au cœur de la guerre donc à Paris est occupé donc il y a quand même une activité qui continue et notamment grâce à Jeanne Bucher il y a des petites expositions qui sont organisées dans lequel il va pouvoir présenter ces tableaux jusqu'à même une exposition qui dans lequel il sera en 1944 alors qu'il va mourir donc on aura quelques œuvres qui sont présentes dans cette exposition pour le reste c'est vraiment une vie très recluse avec d'un côté son épouse Nina koninski et de l'autre son neveu qui est philosophe et qui avec lequel il entretient la foi ne correspondance et qui est aussi une certaine manière comment dire un lien encore avec la Russie [Musique] donc on a une tension très perceptible ici peut-être à l'image de la guerre du contexte peut-être à l'image des difficultés que Candide ce qui a rencontré à Paris notamment en termes d'intégration et peut-être aussi à l'image de la maladie qu'il a faite puisque candide ski à partir 1900 42 est atteint d'artérieux sclérose donc une œuvre un petit peu plus plus sombre entre guillemets que celle que nous avons observées dans le parcours [Musique] malgré l'adversité et la pénurie de matériel le peintre ne peut donc s'empêcher de peindre encore et encore ces dernières œuvres datent de 1943 un an avant sa mort [Musique] certes les carrés appartient en dernière œuvre réalisée par Kandinsky au cours de l'année 43 c'est une œuvre qui est réalisée sur carton photographique comme un certain nombre d'oeuvres de la période et en fait c'est une œuvre assez singulière là encore on a ici 5 effigies quelque peu primitives d'une certaine façon qui peuvent évoquer leur africain éventuellement des tissus indiens Kandinski d'ailleurs a travaillé au cours de l'année 42 pour la manufacture de la Lys et à réaliser des projets de tissus et on observant en tout cas une forme de continuum et une sorte d'aspect plan qui est aussi une des caractéristiques en tout cas de la période parisienne donc cinq effigies brunes ici primitive totémique qui sont associés ici à deux figures géométriques un disque vert et un carré rouge qui donne d'ailleurs leur titre à la composition cercle et carré et qui sont à peine perceptibles au premier regard un petit peu comme les deux points verts [Musique] d'une certaine manière Kandinski est ici encore très très ironique à la fois il se passionne pour les arts extra-européens et en même temps il nous rappelle ces affinités et du moins sa connaissance des groupes abstraits géométriques dans les années 30 et il s'en moque c'est un petit peu un pied de nez certainement notamment au groupe cercle et carrés qui existait à Paris au début des années 30 [Musique] le chemin de l'abstraction est une longue quête qui a accompli Vassili candinski des tâches colorées dans le vent et de la rigueur de l'abstraction jusqu'au forme biomorphiques l'artiste a su évoluer tout en gardant la trace de ce qu'il a traversé de plus il y a toujours de la joie dans ses oeuvres cette fois qui a toujours été un moteur pour le peintre et pour l'homme [Musique] ici la dernière aquarelle que Candice qui réalise en 1944 avant de cesser de de peindre puisqu'il ne pourra plus et on la situe dans l'été 44 puisque Nina Candice qui dit que jusqu'au mois de juillet qui a continué même alité à travailler donc vous voyez c'est un tout petit format mais en même temps c'est quelque chose d'extrêmement émouvant parce que c'est vraiment le témoignage de cette optimisme à cette désire d'exprimer la vie jusqu'au bout par Kandinsky avec ses sortes de formes qui font penser à la fois les sortes de champignons mais aussi à des poupées russes qui seraient emboîtés et qui veulent volerait dans l'espace toujours ces fameuses lignes ici donc avec ces couleurs le rosé et le bleu et qui sont vraiment une sorte de d'expression de joie et de triomphe de la liberté et ça prend là encore un sens tout particulier puisque les troupes alliés viennent de débarquer en Normandie et d'une certaine façon quand leski voit déjà arriver ce qu'il avait imaginé c'est à dire une France libérée et le triomphe de la liberté sur l'oppression et ainsi il va pouvoir jouir de l'invalidation de ce jugement d'art dégénéré qu'il avait subi et pouvoir être exposé à nouveau en Allemagne son premier pays d'adoption avant la France il s'éteint à Neuilly-sur-Seine à côté de Paris le 13 décembre 1944 [Musique] aujourd'hui la majorité de ses œuvres se trouve partagée entre deux grandes collections mondiales celle du musée Guggenheim à New York et celle du Centre Georges Pompidou à Paris [Musique] alors les oeuvres de Kandinsky l'on laisse beaucoup même à sa mort mensongeait par sa veuve Nina koninski qui va véritablement gérer ça de façon extrêmement consciencieuse avec le désir vraiment de promouvoir l'art de son mari et dans les années 60 en fait alors qu'elle est je dirais entourée par un savant de conservateurs d'une multination d'art moderne qu'il y a le projet de d'un centre qu'on appelait Beaubourg à l'époque qui va devenir le Centre Georges-Pompidou qui a été désiré par le président Pompidou et bien peu à peu elle vient l'idée de léguer à sa mort l'ensemble des œuvres qui lui restait de candisky avec la totalité du fond d'atelier ces objets personnels sa bibliothèque etc et donc c'est tout ça qui va rentrer en 1981 après la mort en 1982 au sein du Centre Pompidou et faire du centre l'un des principaux musées autour de Kandinsky puisque en fait les deux grandes collections mondiales c'est le musée gokenheim New York grâce effectivement à cette assiduité je dirais de de Google now auprès de koninsky et leur soutien et le lag Nina koninski au Centre Pompidou à Paris d'avoir ce fond extraordinaire [Musique] après avoir été russe puis allemand puis français Vassili candinski a certaines mots utilisé un langage international pour toucher le public avec de l'art abstrait art plus intellectuel qu’émotionnel par définition il a su insuffler la vie dans ces structures géométriques qui deviennent alors expressionnistes de plus cette vie et cette joie que l'on sent sont certainement la représentation de cette fois de cette nécessité intérieure qui sous-tend chaque œuvre du peintre il disait la peinture n'est pas une création sans but qui s'écoule dans le vide c'est une puissance dont le but doit être d'améliorer l'âme humaine [Musique] une belle définition de l'art [Musique]