Cent'anni fa avrei dipinto Susanna al bagno Ora dipingo donne che si lavano in una tinozza Chiamava così quelle donne che faceva lavare nel catino che gli era arrivato dall'Inghilterra. Donne in una tinozza, sì. Non era la mancanza di un soggetto nobile, ma significava accettare la vera sfida contemporanea, la donna nella sua intimità, il corpo completamente nudo come nessuno lo aveva ancora rappresentato.
Fra tutti gli artisti del suo tempo, Edgar Degas è quello più interessato al nudo, che comprende circa un quarto della sua opera. Solo Auguste Renoir forse avrebbe potuto fargli concorrenza, ma a differenza di Degas, non ha mai avuto la possibilità di fare un'opera. mai dipinto i suoi nudi in pose nuove e ancora sconosciute.
Degas esalta la schiena, il collo, le anche, i piedi, mette il volto in secondo piano o addirittura lo nasconde. Quello che vede sono dei corpi che si muovono liberamente. Nel 1886, Degas prende parte all'ottava e ultima mostra impressionista. È la prima volta che espone così tanti nudi.
Nudi che presenta con un titolo piuttosto banale. Serie di nudi di donne che fanno il bagno, si lavano, si asciugano, si pettinano o si fanno pettinare. Fanno scalpore. Tutta la critica ne parla. I suoi più fermi di ammiratori acclamano il rigore dei suoi temi naturalistici che descrivono con commenti e parole degne di isolarsi.
Una donna abbondante, robusta, dalle forme tondeggianti e piene, che posa le mani sulle sue natiche enormi. In una torsione che la rende viva, con il braccio sulla schiena e una spugna schiumosa, si lava la schiena fino in fondo. Felix Feneon. Per gli scrittori naturalisti questo è un soggetto banale, ma è l'interpretazione di Degas che suscita la loro approvazione. Con la sua descrizione, Fénéon sottolinea l'essenza dell'arte di Degas.
Una gestualità sorprendente che supera la posa e che fa risaltare l'utilizzo del pastello. Degas predilige il pastello, questa tecnica rara che permette di tradurre subito in colore il gesto veloce del disegno. A differenza della pittura a olio, non bisogna aspettare che sia asciutta per stenderne un altro strato.
L'artista può tornare più volte sulle linee per tradurre le vibrazioni della luce sui corpi. Può accarezzare la carta per riprodurre la grana della pelle. Con delle donne alla tinozza, Degas cerca di superare amici e rivali, che la critica chiama impressionisti, e che alla fine si sono dati questa etichetta, di cui Degas inizia a essere un rappresentante, ma lo accetta solo per mostrare le sue opere, brontolando perché non si sente impressionista. Ma che cos'è allora? È un artista che non ama dipingere en plein air e che preferisce l'intimità dell'atelier.
Un artista che si concentra più sulla figura umana che sul paesaggio. Un artista che preferisce descrivere la vita del suo tempo. Un artista che vuole distinguersi.
che corre da solo. È questo che vuole affermare con la sua tecnica a pastello innovativa e i suoi nudi inediti. Decide di presentarli con un titolo molto banale per annunciare con fermezza il suo obiettivo in quel momento, entrare nella storia della pittura e imporsi sul realismo, che da più di trent'anni si presenta come una corrente d'avanguardia e del tutto moderna. I nudi bucolici e allo stesso tempo realistici dei suoi predecessori, Courbet e Manet, si prestano ancora alle interpretazioni simboliche e allegoriche. Le donne di Degas, invece, al bagno non fanno altro che lavarsi, pettinarsi e asciugarsi nell'intimità della vita quotidiana.
La naturalezza delle pose viene apprezzata perché Degas utilizza persone ben determinate. Non sceglie modelle professioniste, abituate alle pose accademiche, ma va nel suo quartiere, vicino a Place Pigalle, o nei bordelli e recluta delle donne, alle quali chiede di compiere gesti quotidiani. Gustave Geoffroy, il gran difensore di Manet, si complimenta con Degas per aver immortalato una donna accovacciata che si strofina il collo con una spugna, senza curarsi di sembrare una rana. Finora il nudo è sempre stato presentato in pose che supponevano la visione da parte di un pubblico.
Ma le mie donne sono persone semplici. Io le mostro senza civetteria, come se osservassi degli animali. Vedete, lei si sta lavando i piedi. È come guardare dal buco della serratura.
Quello che cerca, con la frenesia di un voyeur, non è il corpo nudo, ma quei gesti, quelle pose, quegli atteggiamenti e quei movimenti che solo l'intimità permette. Nel 1886 Degas ha 52 anni. Fin dai suoi primi dipinti, 26 anni prima, è ossessionato dal movimento. 1860. Esercizi di giovani spartani. Un'opera giovanile, di quelle che si imparano a dipingere all'accademia.
Si tratta dei temi classici, presi dalla storia o dalla mitologia. Eppure qui non c'è nulla di scolastico, ma c'è un insieme di gesti e una scena in movimento. Nessun riferimento ad un evento storico, ma un attimo rubato alla quotidianità di una società antica.
Non ci sono atteggiamenti nobili, dettati da convenzioni drammaturgiche, ma una serie di pose da atelier. messe insieme saggiamente. Il corpo dei modelli, scelti per le strade di Montmartre, affiora sotto le azioni di questi personaggi falsamente antichi e i veli che nascondono il corpo femminile non sono abiti sofisticati, elegantemente drappeggiati, ma delle semplici macchie di colore.
Se i disegni preparatori sono fedeli alla formazione accademica ricevuta, quando Degas compone il quadro, questo fugge altrove. Negli intrecci di gambe, braccia e volti, troviamo un preludio di tutte le coreografie che utilizzerà per tutta la vita. Nudi così diversi, dalle forme perfette e pure dall'antichità che trionfano nei salotti accademici dell'epoca, Degas, attratto dalla modernità, anche quando tratta un tema antico, privilegia i corpi del suo tempo.
Addio corpo umano trattato come un vaso, dal punto di vista dell'aspetto decorativo. Ciò che serve... È la singolarità dell'individuo moderno nelle sue vesti e nelle sue abitudini sociali, in casa o per strada.
L'osservazione dell'intimità dell'uomo con il suo appartamento, della caratteristica che gli attribuisce la sua professione. A partire dal 1870, smette di imitare il passato per avvicinarsi alla vita presente, secondo il programma della pittura moderna esposto dal suo amico Edmond Duranty, nel corso di una conversazione avvenuta mentre Degagli faceva il ritratto. L'idea... La prima idea della pittura moderna è stata di rimuovere la barriera che separa l'atelier dalla vita comune.
Bisognava far uscire il pittore all'aria aperta e portarlo in mezzo alla gente. Siamo d'accordo. Per essere un pittore moderno bisogna rappresentare la vita moderna. E per essere un pittore della vita moderna, Degas non sceglie lo stesso percorso dei suoi amici impressionisti. Mentre loro preferiscono lasciare Parigi per dipingere, Degas, senza uscire dal suo quartiere, la Nouvelle Athène vicino Plas Pigalle, rivolge il suo sguardo alle persone che incontra.
Con i suoi ritratti di gente comune al lavoro, Degas va dietro le quinte di questa vita moderna. Le ballerine e le lavandaia che ha dipinto le ha colte in atteggiamenti professionali significativi, il che gli ha permesso di rinnovare la visione del corpo e di analizzare un numero di pose di cui i pittori, prima di lui, non si erano mai occupati. Paul Valéry L'attimo che mostra è fugace, quasi improbabile, come se disegnasse il prima o il dopo l'azione. Quello che gli interessa è il gesto, l'immediatezza.
Quello che sorprende nei dipinti delle ballerine è che il più delle volte non ballano. Aspettano dietro le quinte, sistemano i vestiti, si riscaldano, si preparano per la coreografia, si riposano, salutano. Mi chiamano il pittore delle ballerine, ma non capiscono che per me la ballerina è un pretesto per dipingere bei tessuti e per rappresentare il movimento. Se la danza consente a Degas di trovare nuove pose, le ballerine gli permettono di mettere in scena un balletto sociale. Dietro le quinte dell'Opera scorge dei visitatori indiscreti che inserisce sotto forma di figura scura tra le sue ballerine luminose.
Realizza così, al di là della pittura del movimento, dei quadri di costume. Nella letteratura naturalista, le ballerine sono le sorelle delle prostitute. Illuse dai ricchi protettori, vivono nell'illusione della scalata sociale.
Ludovic Alevy, grande amico di Degas, ne parla in un racconto intitolato Le piccole cardinal, che Degas si propone di illustrare utilizzando una tecnica nuova che ha sviluppato anni prima e che gli permette di creare un colore più intenso del pastello, il monotipo, un disegno a inchiostro a olio su una lastra di rame, poi trasferito su un foglio di carta. Ma a Ludovica Alevi, che si riconosce al centro della composizione, non piace questa linea così realistica, quasi volgare. Degas allora ripone le sue splendide piccole cardinal in una cartella da disegno che verrà trovata solo dopo la sua morte. Peggio per Alevi. Degas, invece, trae vantaggio da questa disavventura.
Quello che impara con il monotipo arricchirà tutta la sua opera. In questa tecnica, che utilizzerà spesso, c'è una vera tendenza allo sguardo furtivo, veloce come una scintilla di desiderio. D'ora in poi andrà nei bordelli a cercare i motivi che gli permetteranno di rendere quasi radicale la rappresentazione del corpo femminile.
Nelle case chiuse che i suoi amici borghesi frequentano, osserva delle scene incredibilmente crude che reinterpreta nel suo atelier, talmente forti che non le esporrà mai. come queste due donne che aspettano i clienti. Una, seduta di fronte al pittore, o forse a un cliente, si aggiusta le calze. La seconda, sdraiata su un divano, attende in una posa abbandonata che non cerca di correggere neanche quando entra un cliente, di cui si vede una gamba, una mano e il cappello.
sull'uscio della stanza. Queste donne, abituate alla loro nudità, non hanno vergogna a mostrarsi. È verso il 1876 che Degas dipinge le prime prostitute. Il bordello diventa la metafora dell'atelier, un atelier in cui si può andare più a fondo nell'esperienza della pittura.
Pittore o cliente che sia, lo spettatore è integrato, accettato e conosciuto. Degas percorre il sentiero della pittura moderna già tracciato da Manet, con questi due quadri, che risultano estremamente scioccanti per l'epoca, Colazione sull'erba e Olympia. Gli occhi di Victorin Meurin, la modella di questi nudi rivoluzionari, hanno sostenuto lo sguardo degli spettatori e hanno spinto la pittura in un'epoca piena di promesse e di invenzioni.
Cézanne l'ha capito e ha dipinto in un batter d'occhio una moderna Olympia, dove si vede un personaggio maschile, un cliente, piuttosto il pittore, autoritratto di spalle e la sua barba a fare da firma. Anche Degas risponde a Olympia insistendo sullo spettatore diretto della nudità. Mettendolo di fronte, ha la possibilità di riprodurre il corpo femminile di schiena, quella schiena a cui sembra affezionato più di ogni altra parte del corpo.
Schiene arcuate, dalle linee ondulate, musicali. particolarmente intime, essenzialmente femminili. Approfondendo il suo repertorio di pose naturali, non si limita mai all'illustrazione piatta e banale di una scena. Quando i monotipi iniziano a circolare, Auguste Renoir si stupisce molto. L'utilizzo di tali soggetti spesso è pornografico.
Bisognava essere Degas per dare alla festa della maîtresse un'aria di gioia e allo stesso tempo la grandezza di un basso rilievo egizio. Il contenuto profondo delle scene nel bordello è lo stesso che impressionerà Picasso quando, dopo la morte di Degas, acquisterà una serie di monotipi. Alla fine della sua vita, Picasso renderà omaggio a colui che considerava un precursore. In una serie di incisioni rappresenterà Degas come un voyeur in un bordello. Mi avrebbe dato un calcio nel sedere se si fosse visto così.
Ma in realtà è l'incisione il vero voyeur. Davanti alle lastre di rame sei sempre tu il voyeur. È per questo che ho inciso tanti abbracci. quello che Picasso dice dell'incisione Degas potrebbe dirlo nel monotipo il monotipo e il voyeur pennelli stracci dita mani tanti sguardi rapidi che rubano l'intimità Con questa tecnica il tempo è contato.
Se l'inchiostro si asciuga troppo, la stampa sarà di scarsa qualità. Al contrario dell'incisione che permette di fare più stampe, il monotipo ne consente una sola. Grazie a tutti.
Rimane solo un'ombra del disegno sulla lastra, che può essere riutilizzata per una seconda stampa, di cui la trama però sarà meno ricca. Alcune di queste lastre sono state trovate nell'atelier di Degas. Opere la cui stampa originale è scomparsa, ma dove si può ancora vedere il soggetto nello zinco crepato.
Degas utilizzerà spesso queste stampe per abbellirle con i pastelli. L'aggiunta di colore corregge le linee dei corpi, migliora i decori dei mobili e della tappezzeria e azzarda delle tonalità contrastanti, scintillanti. Con il colore, il contenuto dei suoi quadri colpisce maggiormente. Nessuno sa quello che sperimenta in segreto nel suo atelier.
La frequentazione del bordello porta con sé immagini intollerabili. Gli ispira un nuovo soggetto moderno e potenzialmente accettabile anche per l'epoca. La donna in bagno. Scoperta nelle alcove delle prostitute e dipinta in maniera inedita. 1877. Alla terza mostra degli impressionisti, Degas espone i suoi primi nudi moderni.
Si tratta di monotipi impreziositi dal pastello. Finalmente, i risultati di tutte le sue ricerche d'atelier. I giochi di luce si moltiplicano, si diffondono in tutti gli angoli della stanza e i suoi luminosi chiaroscuri si differenziano moltissimo dai raggi solari dei suoi amici impressionisti. Eppure, invece di ammirare queste vere e proprie esplosioni di luce, il pubblico vede solo scene volgari.
Secondo il Petit Parisien, le signore si scandalizzano davanti a queste figure di donne accovacciate. Un critico indignato usa queste parole. Degas non dipinge nudi, ma donne svestite.
Donne svestite. Come quelle raffigurate in questa stampa giapponese del XVIII secolo, uno dei gioielli della sua collezione, che ha appeso sopra il suo letto. Per raggiungere quel livello di intimità, Degas installa definitivamente nel suo atelier vasche da bagno, catini, tinozze di ferro bianco assieme a spugne e asciugamani. Non sappiamo come reagiscono tutte le donne che invita nel suo atelier come modelle, ma alcune professioniste che posano per lui non nascondono il loro stupore. Bisogna rifare dieci volte, cento volte lo stesso soggetto.
Nulla in arte deve sembrare casuale, nemmeno il movimento. Negli anni 90, De Garry visita le pose dei suoi vecchi pastelli. Si mostra tenace, insoddisfatto.
Cerca sempre di migliorare con il disegno e il colore la resa del movimento, la fugacità di ogni gesto. Nessun'arte è così poco spontanea come la mia. Quello che faccio è il risultato della riflessione e dello studio dei grandi maestri. Di ispirazione, spontaneità, temperamento, io non so niente. De Gat fa sempre più ricorso a colori eclatanti, persino urlanti, e alle armonie dei colori complementari.
Degno successore di Delacroix, libera la tavolozza da tutte le costrizioni per dipingere, come lui diceva, un'orgia di colori. Grande seguace di Ingres, non trascura mai la struttura formale. Per mettere su tela le sue composizioni, a volte ricorre a un disegno sottostante a carboncino e utilizza regolarmente disegni preparatori.
Tuttavia, applica questi processi rigorosi a pose non accademiche. Per tutta la vita, Degas ricorderà i consigli che Angre gli diede un giorno del 1855, quando gli mostrò alcuni disegni. Va bene, giovanotto, va bene, ma ispiratevi sempre al ricordo e alle incisioni dei maestri, non alla natura.
Disegnate delle linee, tante linee, e diventerete un bravo artista. Degas ha solo 20 anni quando riceve questo consiglio. Il primo maestro che cerca di imitare è lo stesso Angre, la cui retrospettiva organizzata dall'esposizione universale del 1855 gli permette di studiare questi corpi dall'anatomia così particolare. Figlio di banchieri e avendo dei parenti a Napoli, il giovane artista fa un viaggio in Italia per copiare i maestri del rinascimento. Vi rimane due anni per studiare le grandi opere, affascinato dallo studio del corpo, in particolare dal nudo.
Di ritorno a Parigi, Bisogna di fare come tutti i pittori della storia, esporre nelle sale d'arte e diventare famoso. Ma già dai suoi primi dipinti al Salon mostra un temperamento contraddittorio. Nel 1865, cinque anni dopo l'esposizione di Esercizi di Giovani Spartani, presenta un quadro insolito di cui anche il titolo è un mistero. Sarà un critico che lo chiamerà Gli Orrori della Guerra.
Il quadro è ispirato ai racconti e alle immagini delle crudeltà commesse sulle donne di New Orleans nel 1862 durante la guerra di secessione. Degas si sentiva toccato da questa guerra lontana perché la famiglia di sua madre viveva in Louisiana. In ogni caso, l'opera è sconcertante.
Tre aggressori assalgono delle donne. Alcune sono già morte o agonizzanti. Altre cercano di fuggire.
I disegni preparatori mostrano che Degas non ha abbandonato la pittura di genere, ma che cerca di superarla. La varietà delle pose dei nudi anticipa l'elaborazione del corpo femminile che si completerà nelle scene di danza, delle toilette private o delle case chiuse. Degas si mostra già un artista tattile. I corpi sono messi in scena come oggetti da toccare, con la mano, con lo sguardo, con la punta di una freccia.
Tre modi per accorciare la distanza tra i corpi. Tre modi che Degas utilizzerà nei suoi monotipi, nei pastelli e nelle sculture. Per migliorare la sua ricerca insaziabile della perfezione del movimento e per sopperire a un principio di cecità, Degas inizia a modellare la cera.
Otterrete la verità soltanto grazie alla scultura, poiché quest'ultima obbliga l'artista a non trascurare nulla di quello che conta. Degas modifica continuamente le sculture e i disegni, per questo sceglie la cera, perché si può modellare all'infinito, anche dopo diversi mesi. Quello che cerco è di esprimere l'esattezza del movimento, di accentuare le ossa e i muscoli.
Le mie sculture alla fine non sono molto diverse dalle opere degli architetti. Ad eccezione della piccola ballerina di 14 anni, nessuna scultura in cera esce dal suo atelier. Solo dopo la sua morte nel 1917 verranno trovate e rifatte in bronzo.
Per tutta la sua vita, Vollard, il suo mercante, gli propone di fonderne qualcuna. Degas rifiuta. È una responsabilità troppo grande creare qualcosa con il bronzo.
È un materiale che dura per l'eternità. Un giorno però, mentre modella per la ventesima volta una ballerina, De Gagli dice... Questa volta la tengo. Ancora una o due piccole sedute e il fonditore potrà venire. Il giorno dopo, Volar resta senza parole.
La ballerina che aveva ammirato il giorno prima era ridotta a una palla di cera. Volar, voi pensavate soprattutto al valore. Ma anche se mi aveste dato un cappello pieno di diamanti, non avrei avuto la stessa felicità che ho provato nel demolirla. Per il piacere di ricominciare.
Degas pratica la scultura come un metodo complementare al disegno e non come fine a se stessa. Riprende all'infinito il disegno, l'approfondisce, lo chiude, lo avviluppa, di foglio in foglio, di calco in calco. Ma la linea, gli atteggiamenti, la prosa sono là sotto, essenziali e separabili, utilizzabili in altre combinazioni.
Degas fa parte della famiglia degli artisti astratti che distinguono la forma dal colore o dalla materia. Paul Valéry I dettagli della pelle, che idiozia! Le mie sculture non daranno mai l'impressione di essere finite. Sarebbe dannoso per uno scultore. Ecco perché queste prove non si vedranno mai.
Se con la scusa dell'indefinito Degas sceglie di non esporre i suoi modelli, lascia tuttavia delle parti incomplete in quasi tutti i dipinti e disegni. Questa audacia, consacrata qualche anno più tardi come un criterio di modernità, darà a Degas un posto di rilievo tra i pionieri del XX secolo. L'incompleto rivela i gesti del lavoro dell'artista. Se con la scultura Degas soddisfa il piacere di toccare i corpi che disegna e che dipinge, con la fotografia... sperimenta la distanza.
Il desiderio di toccare svanisce davanti al piacere e all'esercizio del vedere. La fotografia fa parte del clima dell'epoca. A partire dalla metà del XIX secolo i pittori ne traggono esempi da seguire ma anche dei modelli alternativi.
Il dibattito fra pittori e fotografi è intenso. Nel 1880 un americano, Edward Muebrig, va a Parigi per parlare della sua ricerca sulla scomposizione del movimento. Dapprima il suo lavoro si concentra sull'andatura dei cavalli, ma si applica presto anche ai movimenti umani. Degas, ansioso di cogliere i movimenti fugaci che sono invisibili agli occhi, non può che essere interessato. a questo lavoro che rivela una serie di momenti sospesi.
Per le sue inquadrature e per la ricerca costante dell'immediatezza, Degas è forse il pittore più sensibile alla tecnica fotografica. L'ha anche provata, lavorando sulle inquadrature, sulle pose e sulle luci. Ma si limita ad autoritratti e a ritratti dei suoi amici.
Ma non sembra che la fotografia lo stimoli a immortalare dei corpi nelle sue composizioni, ad eccezione, forse, di questa unica foto di nudo trovata dopo la sua morte nel suo atelier. Scattata o no dall'artista, è il punto di partenza per una serie intitolata Dopo il bagno. L'atelier conteneva anche delle lastre di vetro dipinto che ritraggono una ballerina. Da questa verrà tratta una scena di ballerine dietro le quinte, ma non senza prima aver studiato, sotto forma di nudo, l'anatomia della sua modella nella pura tradizione accademica. L'uso della fotografia resta aneddotico.
Degas preferisce continuare a lavorare con le modelle nel suo atelier. Lavora in presa diretta, ma si rifà in gran parte alla memoria o a lavori precedenti. Negli ultimi anni della sua carriera, per disegnare una domestica, Degas la immagina prima nuda e poi la veste. Musica I problemi di vista che affliggono Degas da diversi anni peggiorano con l'età.
È questa la causa dell'astrazione sempre più presente nelle opere del suo ultimo periodo? Alla fine del secolo e fino al 1905, Degas riprende i quadri della sua gioventù, lavora su grandi formati e utilizza dei calchi al fine di riprendere i suoi disegni senza sovraccaricarli o cancellarli. Fa uscire i nudi dal bagno. Li mette in macchie verdi, in una natura stilizzata, dove i gesti delle sue bagnanti ritrovano i movimenti dei primi nudi accademici. Via le vasche da bagno, solo bagnanti.
delle semplici bagnanti che non vogliono essere né delle ninfe né delle susan al bagno ma solamente dei corpi nudi in mezzo alla natura dei corpi nudi in un quadro di degas Dopo il 1905, Degas, quasi cieco, smette di dipingere. Ma i quadri continueranno a prendere forma nella sua testa fino alla sua morte nel 1917.